История двух поколений

Во все времена в разных странах работали династии художников. Старшее поколение передавало младшему свой опыт. Дети подмечают тонкости мастерства своих отцов  в процессе создания произведения. Им рано становились известны многие тайны искусства, и они имели определённые преимущества перед другими художниками.

Этот рассказ – о двух поколениях замечательных русских художников – Щербининых и Самойловых.

Виктор Владимирович Щербинин родился в Москве 9 мая 1937 г. После окончания детской художественной школы учился в Высшем художественно-промышленном училище (бывшее Строгановское) на факультете художественной обработки дерева, закончил учёбу в 1961 г. Его учителями были В.Е. Егоров, В.П. Коморденков, Б.Н. Нешумов. В 1974 г. вступил в Союз художников СССР.

Виктор Щербинин принадлежит к художникам послевоенного поколения, в творчестве которого отразилось сложное время 70 – 80-х годов нашей истории. На последних курсах в Строгановке почти все увлекались ксилографией. Виктор Щербинин режет экслибрисы, маленькие гравюры, линогравюры. Учился ксилографии у старого мастера А. Андреева.

Вот пример экслибриса музея А.С. Пушкина, художник очень любил его поэзию, и сам, в то время, много писал стихов. У молодого художника созрела мысль – портрет Пушкина решить, как графическую миниатюру, с присущими для экслибриса чертами лаконичности, острой выразительности, символической обобщённости. Вызывая ассоциацию с автопортретами Пушкина, начертанными им на полях рукописей, гравюра отличается в тоже время свежей, оригинальной трактовкой образа. Сделав более 200 экслибрисов, Виктор Щербинин стал впоследствии организатором клуба экслибриса, преобразованный позднее в музей. Помимо экслибриса, молодой автор увлекается рисунком карандашом, офортом, литографией, торцовой гравюрой на самшите, гравюрой на пластике.

После окончания Строгановки художник работал во всесоюзном научно-исследовательском институте технической информации, классификации и кодирования Комитета стандартов, мер и измерительных приборов при Совете Министров СССР, где выполнил ряд проектов интерьеров и товарных знаков. В 1967 году художником был создан фирменный знак Комитета стандартов при Совете Министров СССР.

С 1967 года этот знак использовался на множестве товаров промышленности и сельского хозяйства СССР, подтверждая их соответствие стандартам. И в наши дни этот знак используется в качестве знака соответствия обязательной сертификации продукции.

В 1974 г. после вступления в Союз художников СССР, всё основное время мастер отдаёт дому творчества СХ РСФСР «Челюскинская». Трудно переоценить значение этой творческой дачи для становления российской графики. Многие художники воспитаны на ней, и немалую роль в этом сыграл Виктор Владимирович. Он знал досконально все известные и малоизвестные графические техники, более того, он явился создателем новой уникальной техники офорта – когда рисующим становится не чёрный, а белый штрих. Многие цветные офорты автора выполнены именно в этой технике.

В 70-е годы Виктор Щербинин увлекается изображением Москвы. Каждую субботу от Китай-города отправлялся автобус с художниками, которые изображали разные уголки нашего города. Результатом этих поездок стали более 300 рисунков карандашом, целая летопись Москвы 70 – 80-х годов. Это и центр города – улица Кропоткинская (ныне Пречистенка), где жил художник и рисовал её часто из окна своей квартиры, это и Варварка, и Большой театр, и соборы Москвы, московские дворики, и отдалённые уголки города как, например, Тропарёво. Поражает точность рисунков Виктора Владимировича, где каждый дом, каждый изгиб трамвайных путей, каждый уголок – узнаваемы. Художник говорил, что точность – это основа искусства, точность – синоним художественной правды. В рисунке он стремился выразить обыденность явления, обыденность жизни, но не приводя его к частности наброска, а показывая общность станкового видения. Художник любил изображать жанровые сценки наряду с пейзажем или городским видом. Всегда на первом плане были люди и через их жизнь, их чаяния, радости и горести он показывал жизнь всей России. Не только Москву любил изображать мастер, он создаёт несколько больших серий: «Москва – город, в котором я живу», «Земля Кубанская», «Я иду по дороге и вижу Россию».

Огромное влияние на Виктора Владимировича, как и на многих художников, оказал Русский Север – он открыл для себя удивительное место в Архангельской области – Кенозеро, где он жил и работал ежегодно каждое лето. Возникают многочисленные графические и живописные серии работ, посвящённые Кенозеру, это пейзажи, натюрморты и интерьеры деревенских изб. Сам художник говорил об этом так: «Просто первое время импульсом для творчества и вдохновением была самая поэзия, а затем поездки по стране, неспешное житьё в доме на Кенозере помогли увидеть жизнь с её радостью и страданием, скорбью и надеждой. Только тогда натура, сама жизнь, зазвучали для меня как стихи». В искусстве В.В. Щербинина воплотилась идея «лада» – гармонического соединения воедино неба, земли, воды, животных, архитектуры и людских дел на основе высшей идеи. Творческое наследие мастера восхищает и служит многим людям и в наши дни.

Сын Виктора Владимировича – Владимир Щербинин унаследовал талант отца. Он также учился в Строгановке на факультете  художественного конструирования, входит а Правление творческого объединения «Московский эстамп» МСХ.

Владимир Щербинин работает в лучших традициях русского реалистического искусства. Эти традиции всегда обращали русских художников к человеческой душе, к влюблённости в свою среду обитания – от необозримых русских просторов до интерьеров деревенских изб.

Творчество художника охватывает разные жанры и техники живописи и графики. Жанр пейзажа является не только формой поиска, интересного вида, нового мотива или удачного ракурса – это ещё и внутреннее движение личности, путешествие в поисках самого себя. Большое внимание привлекают северные пейзажи художника, созданные в Архангельской области на Кенозере. В сериях «Кенозеро», «Север – Юг» запечатлены различные состояния природы разных времён года, настроение наших русских пейзажей: сырой воздух весны, золотая осень, ароматы летних лугов, наполненные солнцем и воздухом полуденные леса, в таких работах как «Кенозеро. Вечер в Телицыно», «На семи ветрах», «Поржинское. Утро», «Осенняя радуга» и др. автор достигает эпического звучания. Владимира Щербинина привлекает показ широких, величественных просторов русской природы, он стремится к всестороннему углублению и обобщению пейзажного образа. В северных пейзажах художника время словно остановилось и длится вечно. Изображая современную природу, он умеет одновременно поведать о её многовековой жизни, отголоски которой видны в неторопливом течении полноводных рек, в безлюдье лесных далей, в безмолвии огромного неба.

Соединение общей уравновешенности контрастов и неожиданной интенсивности отдельных цветовых пятен создаёт ощущение той скрытой жизни природы, которая так зачаровывает при рассматривании пейзажей, вызывая преклонение перед извечной красотой земли. Мастер всегда пишет то, что знает и любит, осознавая органическую внутреннюю связь мира природы с духовным миром человека и нравственными ценностями бытия. Другое настроение преобладает в пейзажах Крыма – окрестностях Гурзуфа. В серии работ «Крымская сюита», таких как «Дыхание моря», «Крым. Весна», «Ветер дальних странствий», «Симфония южной ночи» художника привлекает прежде всего особенности солнечного освещения, игра света и тени, бликов и рефлексов на дорожках цветущих садов и водной глади бескрайних морских просторов. Здесь можно говорить об импрессионистических элементах живописи художника. Сам автор считает, что для того, чтобы получилась картина, нужно удивиться, тогда появляется стройная композиция, цельность и неповторимость произведения.

Новые эмоциональные ощущения возникают в сериях работ, посвящённых пейзажам Черногории и Португалии. В серии «Атлантика» автор стремится передать ощущение беспредельного пространства, божественной благодати, непосредственно явленной вечности. Если в пейзажах Черногории построение пластической формы, создающей образ того или иного ландшафта, имеет предел пространства, то в серии «Атлантика» отсутствие пластической формы являет собой образ беспредельного, бесконечного простора.

Большое внимание привлекают графические серии художника, выполненные в технике офорта, сухой иглы, рисунка. Для офортов мастера характерно движение, динамика, энергия, сила. Темы он затрагивает такие, как автомобильные и мотоциклетные гонки и лошадиные бега. Вот что пишет художник в своей книге об офорте: «Офорт – стихия металла, кислоты и давления. Научиться офорту – научиться жить, органично сочетаясь с этой стихией. Творческая сущность офорта – самовыражение в соприкосновении. Если чистую цинковую или медную пластину оттиснуть на лист офортной бумаги, то на этом листе появится некий ковчег – с тонкой, еле заметной структурой металла. Это есть чистое пространство офорта. В этом пространстве рождается и живёт художественный образ. Момент, когда тайна напряжённой творческой и психологической работы получает возможность стать художественным произведением». Большое внимание привлекают архитектурные пейзажи художника. Интересно то, что В. Щербинин делает рисунки на металлической доске с натуры, так родились графические серии по Новгороду – «На колокольне», 1993 г, «Ярославово дворище» 1993 г, «Церковь Параскевы Пятницы» 1993 г, (сухая игла). В старую Москву нас переносят офорты «Сухарева башня», «Кутафья башня», «Варварка», «Улица Станкевича». С большой любовью к архитектурным деталям и старинной городской среде выполнены эти работы.

Мастер работает и в технике монотипии, посвящённой изображению обнажённой натуры. Здесь для художника важно вычленить свет, определяющий форму из пространства, это позволяет отчётливо выделить фигуры натурщиц из общего фона.

Искусство Владимира Щербинина утверждает красоту мира, раскрывает вечные вопросы бытия. В его произведениях невольно ощущается гордость за родную землю и её богатства, восхищение людьми, живущими на ней. Живопись и графика художника лишены страха и уныния, они провозглашают гимн вечной природе и жизни.

Другой представитель старшего поколения – Валерий Павлович Самойлов родился в Москве в 1939 г. В 1965 г. закончил графический факультет МГХИ им. В.И. Сурикова. Он учился у замечательного художника и выдающегося педагога Б.А. Дехтерёва, руководителя мастерской книги, воспитавшего не одно поколение художников. Валерий Павлович в полной мере усвоил главное в творческом методе своего выдающегося учителя – умение через правильно подобранный и интерпретированный изобразительный материал создавать сложносочинённые, оригинальные произведения. Где действия изображённых персонажей правдивы, имеют внутреннею взаимосвязь и мотивацию и, при этом, эмоционально окрашены, физиологически естественны и правдивы. Валерий Павлович Самойлов, становится известным иллюстратором, проработавшим в книге с 1965 по 1997 годы, проиллюстрировавшим и оформившим более 200 книг. Он работал в технике цветной гуаши, рисунка пером, акварели, офорта, резцовой гравюре на металле (сложной и редчайшей технике, требующей острого глаза, постоянного напряжения, внимания и очень твёрдой руки), сухой иглы, живописи. С 1965 по 1997 годы В.П. Самойлов работал художником-иллюстратором в издательстве «Детская литература». Он иллюстрировал и оформлял книги М. Лермонтова, И. Симонова, М. Горького, В. Каверина, Г.-Х. Андерсена, К. Чуковского, Ю. Олеши, В. Солоухина и многих других авторов. Нужно сказать, что Главным художником в издательстве «Детская литература», был всё тот же Борис Александрович Дехтярёв, взыскательный руководитель Виктора Павловича по учёбе в мастерской книги Суриковского института, а иметь стабильную, интересную (и весьма неплохо оплачиваемую) работу у него в издательстве, было весьма непросто. Часто ни наличие академического звания, ни иные редкие и почётные знаки отличия, этой работы в крупнейшем издательстве страны, отнюдь не гарантировали. Валерий Самойлович участием и благосклонным вниманием к своему труду, со стороны своего бывшего педагога никогда обделён не был.  В 1971 г. Валерий Павлович вступил в Союз художников, с 1992 г. являлся членом секции «Эстамп»Московского союза художников. Манере художника была присуща психологически убедительная мотивация поступков героев, которых он, большой мастер композиции, изображал. Он как режиссёр выстраивал мизансцены и у всех действующих лиц раскрывал характеры, все они были изображены в различных положениях, с характерными, только им присущими движениями, художник уверенно работал с любыми сложными, подчас неожиданными, ракурсами. Ни одна деталь костюма, жеста или поворота головы не ускользала от его наблюдения. Вот две кумушки на диване обсуждают семейные новости, у одной от удивления раскрыт рот, вот отец отчитывает провинившегося сына, муж и жена выясняют отношения. Для рисунков характерен декоративизм, контрастность, острая силуэтность образа. В 1997 г. закрывается издательство «Детская литература». В начале 80-х годов художник остро переживает надлом, который возник тогда в обществе, следствие – рухнувшей идеологии, развенчивания прежних идеалов и, наступивший позднее, развал Советского Союза. Манера автора меняется, с конца 80-х годов рисунки полны сатиры, гротеска, иронии, горького сарказма, они полны настроениями потери, надлома. В эти годы Валерий Павлович обращается к живописи – это прежде всего жанровые сценки, деревенские мотивы, портреты. Изучая технику старых мастеров, художник работает в так называемой безкистевой манере, когда в живописных произведениях не видны мазки кисти. Но в историю русского искусства В.П. Самойлов вошёл, прежде всего, как блистательный график, рисовальщик, иллюстратор и выдающийся мастер книжной обложки.

Дочь В.П. Самойлова – Мария Щербинина, работает в импрессионистической манере.

В 1989 г. она закончила «Строгановку», факультет художественного конструирования. С 1997 г. – членМосковского союза художников, живописной секции. Основные жанры, в которых работает Мария – это пейзаж и натюрморт. Живопись для Марии Щербининой – это освобождение сознания от суетности бытия, очищение его для восприятия и переживания красоты. В произведениях Марии мастерски переданы трепетность жизни, своеобразие каждого её мгновения. Автору свойственны острота и ультрачувствительность зрения, обострённое цветовосприятие, чуткость к зрительной выразительности натуры. Поэтому цвет является непосредственным выразителем содержания, для него характерна особая светоносность. Окружающий мир художник пропускает через внутреннее духовное чувство, усиливая впечатление от действительности. Она показывает торжественность и уникальность каждого момента жизни – Благодати Божьей. Произведения Марии Щербининой отличает внутреннее изящество, убедительная правдивость и красота.

Мария работает в Крыму, Подмосковье, на Кенозере. Пейзаж художника – это не фрагмент ландшафта, а сама природа перед лицом божественной гармонии. Это непрестанно меняющаяся жизнь неба с бесконечными метаморфозами облаков, ветер, колеблющий листья, траву и цветы, колышущиеся отражения вод, беготня солнечных бликов, наплывающие и рассеивающиеся туманы. Любая картина автора – это момент извечного потока явлений, часть живого жизненного процесса. В натюрморте важно взаимодействие предметов по форме и цвету, их единство и цельность.

Мария Щербинина много выставляется, она сотрудничает с английскими, ирландскими, швейцарскими и американскими галереями. Общий строй чувств в картинах автора определяется устремлением к радости, счастливой упоённостью каждым мгновением жизни. Это сфера камерных чувств, прозрачных и нежных, задумчивых и мечтательных.

Людмила Кандалова,

искусствовед